Стиль модерн ч.5. ювелирные изделия в стиле модерн

История ювелирного стиля ар-деко

В 1925 году в Париже прошла Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств (Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes). Ее сокращенное название Arts Décoratifs («декоративные искусства») уменьшилось в обиходе участников события и представителей прессы еще более, до Art Deco. Слово «ар-деко» и стало именем ведущего направления в архитектуре, живописи, дизайне одежды и украшений, которое правило бал в Старом и Новом Свете в 1920–1930-е годы, между Первой и Второй мировыми войнами.

Ар-деко – стиль-праздник. Яркий, роскошный и эклектичный, то есть соединяющий разнородные элементы. В нем есть место строгой геометрии и этническим орнаментам, животным и растительным мотивам и достижениям науки, техники, промышленности тех лет, «цитатам» из античной классики и бурлящей современности, влюбленной в джаз и поднявшей знамя женской эмансипации.

Тамара де Лемпицка. Портрет мадам Бокард (1931)

Стиль как часть… стиля

Драгоценности и бижутерия в стиле ар-деко куда менее вычурны и капризны в сочетаниях с одеждой, чем украшения в стиле барокко. Если вы ищете аксессуары яркие, интересные, но элегантные (например, для новогодней вечеринки), остановите выбор на браслете, кольце или серьгах в стиле ар-деко.

Но и повседневная одежда: белые футболки, однотонные трикотажные платья и кардиганы, – гармонично сочетается с геометричными серьгами-люстрами, многоярусной цепочкой, брошью в виде жука или крупным кольцом. Главное – не перегружать дневной образ и выбрать одно-единственное «джазовое» ювелирное дополнение к нему.

Обзор

Небоскрёб в Нью-Йорке, 1930 год.

American Radiator Building (1924) в Нью-Йорке по проекту Раймонда Худа.

Крыша Дженерал-Электрик-билдинг (1933) Международная выставка, прошедшая в 1925 году в Париже и официально называвшаяся «Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes»

, дала жизнь термину «ар-деко» . На этой выставке миру были показаны предметы роскоши французского производства, доказавшие, что Париж остался интернациональным центром стиля и после Первой мировой войны.

Само направление ар-деко существовало и до открытия выставки в 1925 — это было заметное течение в европейском искусстве 1920-х годов. Американских берегов оно достигло только к 1928 году, где в 1930-х оно преобразовалось в Streamline Moderne — американизированное ответвление ар-деко, ставшее визитной карточкой этого десятилетия.

Париж оставался центром стиля ар-деко. В мебели его воплощал Жак-Эмиль Рульманн — самый известный из дизайнеров мебели той эпохи и, возможно, последний из классических парижских ébéniste

(краснодеревщиков). Кроме того, характерны работы Жана-Жака Рато, продукция , ширмы Эйлин Грей, изделия из кованого металла Эдгара Брандта, металла и эмали швейцарца еврейского происхождения Жана Дюнана, стекло великого Рене Лалика и Мориса Марино, а также часы и ювелирные изделия Cartier.

Символом ар-деко в декоративно-прикладном искусстве стала скульптура из бронзы и слоновой кости. Вдохновляясь «Русскими сезонами» Дягилева, искусством Египта и Востока, а также технологическими достижениями «века машин», французские и немецкие мастера создали уникальный стиль в малой пластике 1920-х — 1930-х гг., который поднял статус декоративной скульптуры до уровня «высокого искусства». Классическими представителями ар-деко в скульптуре считаются Дмитрий Чипарус, Клер Жан Робер Колине, Поль Филипп (Франция), Фердинанд Прайсс, Отто Поэрцель (Германия), Бруно Зак, Дж. Лоренцль (Австрия).

Хотя термин ар-деко возник в 1925 году, он не был часто употребляемым до смены отношения к этой эпохе в 1960-х. Мастера стиля ар-деко не входили в некое единое сообщество. Движение считалось эклектичным, находившимся под влиянием нескольких источников.

• «Венский сецессион» раннего периода (Венские мастерские); функциональный индустриальный дизайн.
• Примитивное искусство Африки, Египта и индейцев Центральной Америки.
• Древнегреческое искусство (период архаика) — наименее натуралистичное из всех.
• «Русские сезоны» Сергея Дягилева в Париже — эскизы костюмов и декораций работы Леона Бакста.
• Гранёные, кристаллические, фацеточные формы кубизма и футуризма.
• Колористическая палитра фовизма.
• Строгие формы неоклассицизма: Буле и Карла Шинкеля.
• Век джаза.
• Растительные и животные мотивы и формы; тропическая растительность; зиккураты; кристаллы; колористическая чёрно-белая гамма клавиш рояля, мотив Солнца.
• Гибкие и атлетичные формы женщин-спортсменок, которых стало очень много; острые углы коротких стрижек у представительниц клубной жизни — флэпперов.
• Технологические достижения «века машин» — такие как радио и небоскрёбы.

Мастера ар-деко любили использовать такие материалы, как алюминий, нержавеющая сталь, эмаль, инкрустации по дереву, кожа акулы и зебры. Активно применяли зигзагообразные и ступенчатые формы, широкие и энергичные кривые линии (в отличие от мягких текучих кривых модерна), мотивов шеврона и клавиш фортепьяно. Некоторые из этих декоративных мотивов стали повсеместными, например, узор клавиш, который встречался в дизайне дамской обуви, батарей отопления, лекционных залов Радио-сити и шпиля небоскреба Крайслер билдинг. В этом стиле охотно оформлялись интерьеры кинотеатров и океанских лайнеров, таких как «Иль де Франс» и «Нормандия». Ар-деко был роскошен, и считается[источник не указан 2125 дней

], что эта роскошь — психологическая реакция на аскетизм и ограничения в годы Первой мировой войны.

Streamline Moderne

Стилевым направлением, которое развивалось параллельно с ар-деко и близко к нему примыкало, было «Streamline Moderne» (название от англ. streamline — «линия обтекания» — термина из области аэродинамики). В «стримлайн модерн» ощущается влияние промышленных штамповочных и аэродинамических технологий. В итоге в произведениях этого стиля появились очертания самолётов или револьверных пуль. Когда дизайн первого массового автомобиля , оказался популярным, обтекаемые формы стали использоваться даже для точилок, зданий и холодильников.

• Здание радиовещательной компании BBC (1931)
• Здание-лайнер в Париже на 3 boulevard Victor (1935)
• Pan-Pacific Auditorium (1936) в Лос-Анджелесе

Готический стиль

Появление в средние века такого архитектурного направления как «Готика» не могло не вызвать отголосок и в прикладном изобразительном искусстве, в том числе и в ювелирном. Украшения того времени отличались массивностью, рельефностью и, как правило, несли в себе некое символическое наполнение, свойственное культурным традициях средних веков.

Времена поменялись, но «Готика», как явление, продолжает существовать, причем на сегодняшний момент имеет достаточное количество интерпретаций. Непросвещенный в ювелирном деле обыватель может считать, что понятие готики сводится к молодежной субкультуре с характерными мрачными одеждами, отбеленной кожей и своеобразной символикой. Однако это не совсем так.

В наше время ювелирная отрасль предлагает несколько равноправных истолкований данного явления, каждому из которых присущ определенный неповторимый стиль. Что ж, попробуем разобраться и определить для себя некие подстили.

 ‘Холодный’ контраст

Такие изделия чаще всего производятся из белого золота или платины, символизируя тем самым мертвенность и сдержанность. В качестве вставок используются камни контрастного цвета – рубины, сапфиры, черные бриллианты. Несложно догадаться, что может подразумевать под собой такая цветовая палитра: алый – кровь, черный и темно-синий – мрак, темнота.

Символическая стилизация

Пожалуй, такое стилистическое направление можно считать яркой демонстрацией того, что представляет из себя готический стиль в сознании большинства людей. Крупные черепа, кресты, субкультурная атрибутика – именно такой многие дизайнеры видят готику.

Ренессанс

Несмотря на то что современные «готы» у многих вызывают ассоциации с мраком, жесткостью и оккультными обрядами все же в изначальном историческом понимании ювелирный готический стиль – это соединение тонких кружевных линий, дополненных зачастую жемчужными вставками. Как английские готические соборы, отличающиеся стрельчатыми сводами и острыми углами, эти украшения передают таинственность не через грубость, а напротив – через изящество.

Субкультурная готика

В данную подгруппу как раз и относятся те изделия, которые мы чаще всего видим на «готах» и «готессах» — шипованные украшения, массивные кольца, геральдические амулеты. Это можно считать «классикой» современной готики.

Вампирский стиль

И, наконец, подстиль, который представляет собой некую комбинацию исторического понимания готики и ее сегодняшнего истолкования. С одной стороны, это классическая смысловая наполненность каждого изделия (образы пауков, летучих мышей, атрибутов загробной жизни), с другой – современный уклон на «игру контрастов», как в случае с первым подстилем:

Итак, рассмотрев некоторые течения современного готического стиля, можно прийти к одному выводу – несмотря на смену поколений философский конфликт земной и загробной жизни, «светлых» и «темных» сил остается по-прежнему актуальным. И, пока человек будет продолжать пытаться постигнуть смысл земного существования, мотивы смерти будут присутствовать в искусстве во всех проявлениях. Существует несколько основных направлений такого стиля, которые, по сути могут кардинально отличаться друг от друга. Однако нужно подчеркнуть их неминуемое сходство — использование преимущественно белого золота и ярких драгоценных вставок, создающих эффектный контраст. Немаловажна здесь и роль символики украшений, которая несет в себе особые скрытые смыслы,- кресты, черепа, змеи, сердца. Изящное таинство и агрессивная стать — да-да, все это о готике. 

Украшения в стиле ар-деко на подиуме

В коллекциях осени-зимы 2016/2017 немало обращений к эпохе ар-деко в аксессуарах. Так, реки искусственного жемчуга «льются» на показах Chanel, Moschino (у этой модной марки ряды белых бусин красуются даже на лодыжках моделей!) и Gucci.

Гиперболизированные серьги-кисти – главное украшение этой зимы по мнению Dsquared2, а вот у Anthony Vaccarello трендовый аксессуар осовременен лишь тем, что серьга со стразами непарная. Saint Laurent делает пару таких серег частью вамп-образа.

У Valentino дыхание технократии коснулось дизайна серег – в 1920-е такие украшения назвали бы за их длину серьгами-небоскребами и одобрили бы их схожесть с коваными деталями какого-то механизма.

Dsquared2, осень-зима 2016/2017

Gucci, осень-зима 2016/2017

Chanel, осень-зима 2016/2017

Valentino, осень-зима 2016/2017

Возрождение модерна

Переосмысление модерна началось спустя полстолетия. Благодаря большой исторической дистанции появилась возможность взглянуть на модерн свежим взглядом. На плакаты 1960-х возвращаются образы с афиш и из журналов начала века.

Постер, Элтон Келли. Изображение: Стэнли Маус / Элтон Келли / Культурный центр Банка Бразилии / Google Art & Culture
Постер, Бонни Маклин. Изображение: Wikimedia Commons
Постер, Джим Блэшфилд. Изображение: Wolfgang’s

Музыканты, конкурируя за внимание слушателя, используют эксцентричные формы, шрифты, узоры, женские образы. Психоделическая культура хиппи переосмысляет модерн ― главное отличие нового «модерна» от образцов прошлого в использовании насыщенных, контрастных цветов и образов, соответствующих духу нового времени

История появления

Название стиля модерн происходит от слова moderne — современный. Это направление возникло во второй половине XIX века и просуществовало до начала XX века. На его формирование повлияли несколько факторов.

Одним из главных источников нового направления стало повсеместное увлечение ботаникой. Швейцарский и французский художник Эжен Грассе в период 1896-1900 гг. опубликовал несколько работ из цикла «Растение и его использование для орнаментов»

Флористические мотивы привлекли внимание дизайнеров и ювелиров

Параллельно с этим модерн развивается как направление живописи и графики. Его главным элементом, орнаментом и формой декора был изогнутая линия, напоминающая стебель растения или локон волос. В противовес «историзму», традиционному искусству, представители нового направления используют название «модерн».

К началу XX века стиль получил международное распространение. Правда, во многих странах ему давали собственное название:

1. Ар-нуво — во Франции. Термин произошел от названия магазина Art nouveau (в переводе с французского «новый стиль»), интерьер которого был спроектирован в стиле модерна.
2. Сецессион — в Австрии. Развитию направления способствовала группа художников и декораторов, выступавшая за отказ от «академического» искусства. Термин образовался от латинского secessio — уход, отделение.
3. Jugendstil (Молодой стиль) — в Германии. Приверженцы нового направления объединились вокруг журнала «Jugend», чем и объясняется название.

Начиная с 1910-х годов, популярность стиля модерн стала угасать. Создавать работы в этом стиле было сложно и дорого, а между тем наступала новая эпоха — время индустриализации. Дешевые и простые в изготовлении изделия стали вытеснять сложные художественные работы. Кроме того, началась Первая мировая война — стиль женщин и цветов перестал быть актуален.

История ювелирного стиля ар-деко

В 1925 году в Париже прошла Международная выставка современных декоративных и промышленных искусств (Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes). Ее сокращенное название Arts Décoratifs («декоративные искусства») уменьшилось в обиходе участников события и представителей прессы еще более, до Art Deco. Слово «ар-деко» и стало именем ведущего направления в архитектуре, живописи, дизайне одежды и украшений, которое правило бал в Старом и Новом Свете в 1920–1930-е годы, между Первой и Второй мировыми войнами.

Ар-деко – стиль-праздник. Яркий, роскошный и эклектичный, то есть соединяющий разнородные элементы. В нем есть место строгой геометрии и этническим орнаментам, животным и растительным мотивам и достижениям науки, техники, промышленности тех лет, «цитатам» из античной классики и бурлящей современности, влюбленной в джаз и поднявшей знамя женской эмансипации.

Тамара де Лемпицка. Портрет мадам Бокард (1931)

Ар-деко в ювелирном искусстве

Ар-деко стал синонимом роскоши по обе стороны океана, повлияв на все сферы жизни человека, в том числе на ювелирное дело.

Расцвет эпохи ар-деко пришелся на 1925–1935 годы. Очнувшись от ужасов Первой мировой войны, Франция, а за ней и весь мир, полной грудью вдыхали воздух свободы. Люди поняли, насколько хрупок мир, и наслаждались всем, что дарила им жизнь, не дожидаясь прекрасного будущего.

В это время смелый и дерзкий ар-деко пришел на смену нежному и утонченному модерну. Если последний приклонялся перед красотой природы, повторяя плавность ее линий и замысловатость фактур, то ар-деко провозглашал триумф человека. Он не стесняясь воспевал роскошь, предлагал наслаждаться жизнью здесь и сейчас.

Особняки, автомобили, прекрасные интерьеры и, конечно, ювелирные украшения – все атрибуты красивой жизни выполнялись в стиле ар-деко. Для него характерны прямые ломаные линии, использование дорогих и редких материалов, сочетания ярких оттенков. Ар-деко призывал отсечь все лишнее, сосредоточиться на истинной роскоши.

В ювелирном искусстве кружево филигранных узоров Эдвардианской эпохи, плавные линии и пастельные оттенки эмали ар-нуво уступили свои позиции ярким краскам, прямым линиям, острым углам и самым дорогим материалам.

Именно в период ар-деко искусство огранки достигло совершенства – форма камня приобрела колоссальное значение. В это время установился стандарт бриллиантовой круглой огранки, а особой популярностью пользовались камни прямоугольной и квадратных форм.

Золото перестало быть главным ювелирным металлом – все самые роскошные изделия создавались из платины. В моду вошло белое золото – драгоценности из него были доступнее аналогов из платины и желтого золота. Новые технологии в литье удешевили производство украшений. В то же время расцвет экономики сделал золото и бриллианты более доступными. Молодые люди все чаще преподносили своим невестам помолвочные кольца с бриллиантами.

Следуя модным тенденциям, ювелиры использовали в своих украшениях различные сочетания ярких драгоценных и полудрагоценных камней: сапфиры, рубины, изумруды, жемчуг, коралл. Прозрачные бриллианты призваны были поражать своим сиянием в сочетании с цветными минералами.

В коллекции высокого ювелирного искусства buzzard один из самых ярких комплектов вдохновлен стилем ар-деко. Аметист фантазийной прямоугольной огранки оттенен россыпями сапфиров, изумрудов, рубинов, заключенных в треугольные рамки. Словно осколки разбитого витража – яркое воспоминание об ушедшей эпохи роскоши.

«Все или ничего» – вот девиз ар-деко. Этот стиль не терпит фальши – только роскошь, только лучшее и ничего лишнего.

Комментарии

Оставить комментарий

ольга, 17.01.17

Я тоже поклонница этого замечательного стиля ар-деко. Уж очень по душе мне белое золото с бриллиантами. Стиль благородства и величия)

Buzzard Diamond

Полностью с Вами согласны! Спасибо за Ваш комментарий)

Вероника, 10.02.17

Сам стиль арт-декор не может оставить равнодушным не одну представительницу слабого пола. Впечетляет своим величием и точность сочетаний. Соглашусь с автором, сразу бросается в глаза отсечение лишнего.

Влад, 21.02.17

Ну а что, выглядит шикарно. Я на месте толстосумов тоже бы не устоял перед такой роскошью. Выполнено стильно и презентабельно.

Юлия, 22.05.17

Люблю украшения которые сразу бросаются в глаза и манят своей роскошью ! Стиль арт-декор моя слабость)

Авторизуйтесь через социальную сеть:

Поля, помеченные *, обязательны для заполнения войти

Украшения в стиле ар-деко на подиуме

В коллекциях осени-зимы 2016/2017 немало обращений к эпохе ар-деко в аксессуарах. Так, реки искусственного жемчуга «льются» на показах Chanel, Moschino (у этой модной марки ряды белых бусин красуются даже на лодыжках моделей!) и Gucci.

Гиперболизированные серьги-кисти – главное украшение этой зимы по мнению Dsquared2, а вот у Anthony Vaccarello трендовый аксессуар осовременен лишь тем, что серьга со стразами непарная. Saint Laurent делает пару таких серег частью вамп-образа.

У Valentino дыхание технократии коснулось дизайна серег – в 1920-е такие украшения назвали бы за их длину серьгами-небоскребами и одобрили бы их схожесть с коваными деталями какого-то механизма.

Dsquared2, осень-зима 2016/2017

Gucci, осень-зима 2016/2017

Chanel, осень-зима 2016/2017

Valentino, осень-зима 2016/2017

Санузлы

Для обустройства санузлов действуют те же правила, что и для остальных комнат.  Потолок должен быть минимум в два уровня (вторым уровнем может выступать карниз). Обязательно наличие люстры. Она может быть чуть меньше в размере, чем люстра в гостиной, но при этом не менее эффектной. Зеркало является отдельным декоративным элементом. Совмещенное со шкафом зеркало – признак эконом класса и к Ар Деко не имеет никакого отношения. Ванна, желательно овальная, на хромированных ножках. Если нет возможности поставить такую ванну, то подойдет любая другая, главное, чтобы она была красиво оформлена. Раковина выступает в Ар Деко не как шкаф для ванных принадлежностей, а как элемент искусства. Как правило, это раковина консольного типа на ножках. Стиральную машину и другие бытовые предметы лучше спрятать подальше. Плитку лучше использовать контрастного цвета с геометрическим рисунком (полоски, ромбы). Высокий плинтус контрастного от пола цвета – тоже не исключение. Не оставляем без внимания декор, который придаст ванной комнате ярких красок и свежести.

Океанские лайнеры

Знакомство широкой публики с Ар Деко состоялось, когда в 1920-1930-х гг. в этом стиле стали оформляться интерьеры ресторанов, отелей и огромных океанских лайнеров. Французский пароход «Нормандия» (1935) стал детищем французских архитекторов, декораторов, художников и ремесленников. Ответственность за оформление интерьеров «Нормандии» была возложена на Ричарда Боуэнса (1863-1939) и Роджера Экспера (1882-1941). Хотя некоторые проекты они разработали сами, для выполнения всего объема работ они привлекли других французских художников и декораторов, в том числе Раймонда Сюбе, Жана Дюпа (1992-1964) и Жана Дюнана (1887-1942). Их совместная работа над проектом была своеобразным манифестом Ар Деко. В салоне первого класса на большом французском океаническом лайнере «Нормандия» росписи по стеклу, автором которых был Жан Дюпас (один из фрагментов сейчас находится в Музее современного искусства Метрополитен в Нью-Йорке), рассказывают об истории мореплавания. Похожий на башню стеклянный светильник был спроектирован Лабуре. Огромные вазы, возвышающиеся над диванами, льют потоки света. Эта комната, как и многие другие на корабле, — типичный образец Ар Деко.

Дизайнеры из Европы в США

Некоторые американские дизайнеры, работавшие в стиле Ар Деко, были иммигрантами из Европы. Например, Поль Франкль (1878-1958) родился и получил образование в Вене, но большую часть своей жизни провел в Соединенных Штатах

Именно он обратил внимание на ступенчатую форму американских небоскребов (объяснявшуюся скорее муниципальными правилами, нежели эстетическими требованиями) и применил ее в дизайне, в так называемой «высотной» мебели, выпускавшейся в 1930-х гг. Полки делались навесными, что позволяло продемонстрировать фанеру, современный материал, который заменил собой дерево, которое использовалось в прошлом

Иозеф Урбан (1872-1933), также получивший образование в Вене, приехал в Америку в качестве художника-оформителя. Работая в стиле Ар Деко, он в свою очередь обратился к дизайну мебели и интерьеров. Интерьеры, спроектированные для Новой школы социальных исследований в Нью-Йорке (1930), являются прекрасными образцами его творчества. Более эффектное здание театра «Зигфельд» (1928) с зрительным залом в форме эллипса и украшенными росписями стенами, а также экзотический, расположенный на крыше ресторан отеля Сент Реджис в Нью-Йорке (1929), к сожалению, были снесены.

Фредерик Кислер (1892-1965), в родной Вене работавший художником-оформителем, прежде чем перебраться в Америку в 1926 г., провел некоторое время в Нидерландах, где познакомился с движением «Стиль». Первым проектом, разработанным им в Америке, было небольшое здание кинотеатра в Нью-Йорке, «Фильм-Гилд-Синема» на 8-й Стрит. Здесь он создал один из первых современных интерьеров для широкой публики. Его творчество в основном было связано со скульптурой, но он был также известен как теоретик и футурист, в основном благодаря его не воплощенному в жизнь проекту криволинейного Бесконечного дома, сохранившегося в рисунках и моделях.

Радио, новый способ коммуникации, повсеместно воспринималось как одно из важнейших изобретений, сделанных после Первой мировой войны. В то время казалось естественным, что формы Ар Деко должны использоваться в дизайне настольных или напольных радиоприемников. Материалом для них служило дерево, но гладкие и изогнутые формы корпуса больше не имели никакого отношения к историческим стилям. Студии радиостанций, таких как NBC в Рокфеллеровском центре в Нью-Йорке (в 1930-х гг. его часто называли Радио-Сити), куда публику часто приглашали посмотреть на работу радиоведущих в прямом эфире, также оформлялись в стиле Ар Деко, что нашло отражение в формах и смелом использовании цветов. Голубой цвет должен был символизировать электричество, а черный цвет и хром олицетворяли новые технологии.

Вестибюли и помещения для публики в Рокфеллеровском центре также выдержаны в стиле Ар Деко. Самым замечательным примером является фойе Интернэшнл-билдинг (630, Пятая авеню), отделанное дорогими материалами, с остроумно спрятанными светильниками. Грандиозный музыкальный зал в Радио-Сити, великолепный образчик Ар Деко, в основном является детищем американского дизайнера Дональда Дескей (1894-1989). Вестибюли и холлы интересны своей цветовой гаммой и элементами декора, так же, как и огромный зрительный зал. Дескей также занимался интерьерами квартир и жилых домов богатых клиентов. Стены столовой в одной из нью-йоркских квартир обшиты тонкими пробковыми листами, которые в основном использовались для изоляции складских помещений. Мебель изготовлена из кленового шпона почти белого цвета с черными лаковыми вставками. В отделке стен, дверей и мебели отсутствуют лепнина и филенки. В Мандель-хаус в Маунт-Киско, штат Нью-Йорк, спроектированном Эдвардом Дарреллом Стоуном, интерьеры выполнены Дескей в стиле Ар Деко.

Всемирные выставки, проходившие в Америке в годы депрессии, давали публике возможность познакомиться с дизайном 1920-1930-х гг. Для Чикагской выставки 1933-34гг «Век Прогресса» были выстроены здания в стиле Ар Деко с яркими фасадами и интерьерами в том же стиле. Некоторые производители приступили к выпуску мебели и другой продукции в ярко выраженном стиле Ар Деко. Недорогая мебель заводского производства с изогнутыми элементами из шпона, вероятно, напоминающими Ниагарский водопад, привнесла Ар Деко в дома людей со скромным достатком.

Стиль ‘Ар деко’

Мотивы животных мы можем найти и в другом, не менее популярном на сегодняшний день, стиле — ар деко. Как и в духе анимализма, крупные кольца с кошками, леопардами, лягушками, бабочками, цветами – одна из излюбленных тем креативных дизайнеров. Однако в данном случае представители фауны – это всего лишь один из пунктов ювелирного стиля, который вобрал в себя множество отличительных черт и интересных образцов. Если попытаться охарактеризовать его несколькими словами, то, в первую очередь, необходимо назвать такие определения как простота и роскошь, геометрия и линейность, стилизация и утонченность.

Появлению ар деко мы обязаны 20-30-м годам XX века, когда в моде были так называемые серьги-люстры, многоярусные ожерелья из жемчуга или цепочек, броши в виде животных и растений. 

Современные модницы с легкостью могут сочетать такие «исторические» изделия как с коктейльным нарядом, так и с обычной однотонной футболкой. Образ будет смотреться выигрышно и в том, и в другом случае.

Такому сложившемуся ювелирному стилю присуще соединение в украшении традиционности и новомодности. Классические жемчужные колье соседствуют с необычными серьгами-люстрами и крупными кольцами с природными мотивами. А всем полюбившиеся браслеты в виде змеиной чешуи ставят в этой оригинальной коллекции завершающий акцент. 

Особенности стиля ар-деко

Для «джазового» стиля ар-деко характерны:

1. геометрические формы — квадраты, прямоугольники, круги, острые углы и прямые линии;
2. контрастные узоры — черно-белые клавиши пианино, «зебра», «леопард»;
3. анималистика — изображения реалистичных или выдуманных животных;
4. растительные мотивы — изображения листьев, цветов, причудливо изогнутых ветвей;
5. элементы восточной культуры — древнеегипетские пирамиды, герои древних мифов.

Женский силуэт в стиле ар-деко — хрупкий, стройный и изящный

Ювелирные изделия подчеркивают эти черты: привлекают внимание к тонким запястьям, вытянутой шее, узким плечам

Украшения

Стиль ар-деко невозможен без длинной нити искусственного жемчуга. Ее укладывают в несколько рядов, а свободный край с застежкой забрасывают на спину, как шарф. Вместо жемчужной нити может использоваться сотуар или бусы из драгоценных камней.

Ар-деко — это:

1. массивные браслеты;
2. двусоставные броши для вечернего выхода;
3. коктейльные кольца.

Стиль ар-деко — это еще и появление первых наручных часов: до этого их носили на цепочке. Внешний вид, форма, размер аксессуара практически не ограничен. Серьги в стиле ар-деко — объемные, яркие и эффектные: это могут быть серьги-кисточки, модели с подвесками и перьями.

Цвета и материалы

Стиль славится яркими и «живыми» цветами. Строгих ограничений нет, но чаще других используются:

1. зеленый;
2. красный;
3. синий;
4. черный;
5. белый.

Цвета создаются с помощью ювелирной керамики и использования драгоценных камней. Лучшие образцы стиля ар-деко украшены изумрудами, сапфирами, рубинами, бриллиантами. Для камней выбирают огранку «ашер», «багет», «принцесса», «изумруд».

Мастера ар-деко не ограничиваются традиционными материалами. В ход идет нержавеющая сталь, кожа, эмаль, искусственные цветы и бахрома. Все, что имеет ступенчатую, зигзагообразную, линейную форму, может стать деталью украшения.

Украшения в стиле ар-деко на подиуме

В коллекциях осени-зимы 2016/2017 немало обращений к эпохе ар-деко в аксессуарах. Так, реки искусственного жемчуга «льются» на показах Chanel, Moschino (у этой модной марки ряды белых бусин красуются даже на лодыжках моделей!) и Gucci.

Гиперболизированные серьги-кисти – главное украшение этой зимы по мнению Dsquared2, а вот у Anthony Vaccarello трендовый аксессуар осовременен лишь тем, что серьга со стразами непарная. Saint Laurent делает пару таких серег частью вамп-образа.

У Valentino дыхание технократии коснулось дизайна серег – в 1920-е такие украшения назвали бы за их длину серьгами-небоскребами и одобрили бы их схожесть с коваными деталями какого-то механизма.

Dsquared2, осень-зима 2016/2017

Gucci, осень-зима 2016/2017

Chanel, осень-зима 2016/2017

Valentino, осень-зима 2016/2017

Черты ювелирного стиля ар деко (арт деко)

Музой ювелиров периода конструктивизма стала технократия. Это и определило черты украшений ар-деко — геометрические формы, прямые углы и линии, окружности и «поля» открытого, «типографического» цвета.

 

Задача стиля Art Deco — создать миф роскошной жизни в годы «потерянного поколения» между двумя мировыми войнами.

Открытие в 1922 году гробницы Тутанхамона разбудило интерес к Египту.

Фирма Картье открыла линию украшений в египетском стиле. Подвески из пластин нефрита в рубинах и алмазах, скарабей из дымчатого кварца с крыльями из голубого фаянса.

Дягилевские сезоны в Париже, постимпрессионизм, экспрессионизм, сюрреализм — всё это формировало вкусы людей эпохи ар деко. Как и зрелище новейшей техники.

В стиле, отличном от всего и всех, создавал свои работы Жан Фуке (Jean Fouquet), сын Жоржа Фуке (знаменитого художника-ювелира прежней эпохи — ар нуво). В собраниях Парижа и Нью-Йорка хранятся работы Жана Фуке — брошь из слоновой кости и браслет — ни на что не похожие украшения. Это мотивы авангардистов начала века, кубизм в чистом виде.

Интересны и «небоскрёбы» — серьги из платины — другого парижского ювелира, Раймона Тамплие (Raymond Templier). В этих серьгах проявлены идеи конструктивизма. Тамплие украшал геометрические элементы своих «драгоценных конструкций» яркой эмалью или японским лаком.

     

Ювелиры Жан Фуке и Раймон Тамплие — истинные «гости из будущего».

Ювелирный Дом Картье – ар деко как основа

Изделия Дома Картье 1920-1930-х годов — это ярчайшие примеры становления нового ювелирного стиля.

Поначалу Картье предпочитал простые композиции и ясные формы,- круг или сегмент, наиболее «женственные», по мнению мастера.

Позднее он «освоил» остальные фигуры. Украшения с простым и четким силуэтом из оникса, горного хрусталя, нефрита, перламутра он украшал бриллиантами и другими драгоценными камнями — в тонкой цветовой гамме.

              

Но скоро мастера Дома Картье разработали «белый ар деко», где белая платина и бриллианты сочетались с чёрным ониксом и чёрной эмалью. Эта игра черных и белых пятен создала своеобразный мотив «шкура пантеры».

   

Этот мотив использовали и при оформлении наручных часов. «Белый ар деко», пожалуй, не только обогатил фирму, но и помог становлению нового стиля в целом. В это время на «цветном фронте» выполняли броши-«вазы с фруктами» или «корзины с цветами», из рубинов, изумрудов и сапфиров . Мотив корзины с цветами был весьма характерен для украшений в стиле ар деко.

Выставка декоративных искусств и современной промышленности в 1925 году в Париже стала триумфом Дома Картье. Произведения Фуке, Сандоза, Тамплие, Бушерона, Картье, Деспре, Ван Клифа, Мобуссена и других французских ювелиров показали рождение эстетики новой эпохи. Золотую медаль получил  парижский ювелир Жорж Мобуссен, уже весьма известный в высшем обществе.

Ювелирные технологии эпохи ар деко

В 1935 году Альфред Ван Клиф и Жюльен Арпельс изобрели невидимую закрепку (от английского invisible set) драгоценных камней. В бриллиантах, сапфирах или рубинах вытачивались канавки,  камни вставлялись вплотную друг к другу и полностью покрывали металл. Это позволило мастерам фирмы «Ван Клиф и Арпельс» — а после и прочим — создать истинные шедевры в стиле ар деко.

Уже в 1930-е годы стиль украшений ар деко вышел в массы, в странах Европы и Америки создавали доступные для  широкого круга покупателей вещи. Это бриллиантовые броши-клипе и сотуары (франц. «porter en sautoire», — «носить на спине, носить через плечо»), а особенно — браслеты, в которых некрупные бриллианты подчеркивали четкие линии плоских орнаментальных узоров. Подобные украшения встречаются в любом крупном антикварном магазине.

Примеры украшений эпохи ар деко:

                 

Стиль ар деко господствовал в мире искусства от конца Первой мировой войны и до начала Второй. Однако его приёмы и образный строй универсальны настолько, что и сегодня выглядят современно и ярко.

Украшения в стиле барокко, рококо, классицизма и ампира :: Украшения в викторианском стиле :: Украшения в стиле ар нуво или арт нуво :: Украшения в авангардных стилях — кубизм, конструктивизм, абстракционизм, футуризм и хайтек :: Украшения в стиле стимпанк :: Ювелирная классика :: Геометрия в украшениях :: Украшения в стиле примитивизм :: Винтажная бижутерия

Модерн в XXI веке

Одно из главных и глобальных достижений модерна ― принцип проектирования «изнутри ― наружу» сегодня плотно внедрён в саму суть архитектуры, где форма здания подчиняется его наполнению.

Также принципы модерна используют в современном интерьере ― часто офисы крупных компаний выдержаны в едином стиле, в котором нет места чужеродному предмету. Стены, мебель и даже фурнитура подчинены единому порядку, принципы которого были заложены более ста лет назад.

Интерьер магазина re:Store в Санкт-Петербурге. Фотография: onajourney / Shutterstock

В современном интерьере модерн в почти первозданном виде сохранился в виде ламп «Тиффани» из разноцветного стекла, а на фабриках по-прежнему выпускают обои по эскизам Уильяма Морриса или с принтами, на которые дизайнеров вдохновило его творчество.

Главная область, где модерн существует с 1900-х почти без изменений ― это парфюмерия. Флаконы Lalique и Guerlain по сей день не теряют актуальности и служат объектом внимания коллекционеров.

Флакон парфюма Living Lalique. Фотография: Lalique
Флакон парфюма Lalique de Lalique. Фотография: Lalique
Флакон парфюма Guerlain Aqua Allegoria Pera Granita. Фотография: Guerlain
Флакон парфюма Guerlain Shalimar. Фотография: Guerlain

Сегодня наследие модерна выделяется ярким пятном на картах городов. Восстанавливаются не только сами постройки, но и интерьеры, мебель. Зданиям придают новые смыслы ― некоторые из них превращаются в рестораны, отели или музеи. Так, в Самаре в особняке Курлиных находится Музей модерна. В московских особняках этой эпохи исторически располагаются культурные организации или посольства разных стран.

«Модерн» ― modern, современный. И пусть современность модерна осталась далеко позади, его шлейф мы ощущаем уже больше века. Именно модерн заложил основополагающие в современности принципы ― тотальность в архитектуре, искусстве, дизайне.

Что дальше? В новом материале мы расскажем о следующем десятилетии, в котором зародились радикальные идеи модернизма как основы современного дизайна.